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Hay una pregunta que separa a los cinéfilos de verdad de los que solo dicen serlo en las cenas de Navidad: ¿cuál es tu década favorita del cine? Y aquí, en cinevideos.org, la respuesta casi siempre acaba siendo un empate técnico entre los 80 y los 90. Dos décadas que, vistas con la perspectiva que da el tiempo, funcionan casi como una única corriente: primero el estudio aprendió a hacer blockbusters con corazón, y luego el cine independiente y los grandes autores le enseñaron al estudio que también se podía hacer arte con presupuesto de Hollywood. El resultado son treinta años (bueno, veinte, pero se sienten como treinta) que nos dejaron algunas de las películas más vistas, citadas, parodiadas y queridas de toda la historia del cine.
Este no es un ranking más generado con IA y frases de relleno. Nos hemos puesto a repasar director por director, año por año, premio por premio, para traerte una selección de las mejores películas de los 80 y 90 que, si no has visto todavía, tienes deberes pendientes esta misma noche. Vamos a mezclar géneros a propósito: terror, ciencia ficción, comedia adolescente, cine bélico, animación, thriller y ese cine de mafias que solo Scorsese sabe filmar sin que se note el esfuerzo. Coge palomitas, ponte cómodo, y prepárate para una lista que probablemente reactive tu lista de pendientes en la plataforma de streaming de turno.
Antes de arrancar, una advertencia honesta: hacer una lista «definitiva» de las mejores películas de dos décadas enteras es, por definición, una misión imposible. Cualquier cinéfilo con criterio podría añadir veinte títulos más y quitar la mitad de los que hemos elegido nosotros, y probablemente tendría toda la razón del mundo. Lo que sí nos hemos propuesto es que cada película de esta lista tenga un motivo objetivo y verificable para estar aquí: un premio real, una innovación técnica documentada, una influencia demostrable en el cine posterior o un lugar consolidado en el imaginario colectivo que trasciende la simple nostalgia. Nada de «es que a mí me flipó de pequeño» como único argumento (aunque, siendo sinceros, esa razón también cuenta, y mucho, cuando hablamos de cine popular).
También hemos querido evitar el error clásico de estas listas, que suele ser amontonar solo grandes éxitos de taquilla o, en el extremo contrario, solo caprichos de festival que nadie ha visto fuera de un aula de cinefilia. Aquí va a haber sitio para el blockbuster de verano con alma, para el drama histórico que te deja tocado varios días, para la comedia adolescente que envejece mejor de lo esperado, para el slasher psicológico que sigue helando la sangre y para la animación que emociona por igual a niños y a sus padres. Bienvenidos a nuestro particular festival retrospectivo.
Por qué los 80 y los 90 fueron la edad de oro que nadie ha vuelto a repetir
Antes de meternos en faena, merece la pena pararse un segundo a pensar por qué estas dos décadas concretas generan tanto consenso. En los 80, Hollywood descubrió que se podían hacer películas enormes, con efectos especiales carísimos y estrellas de portada, sin renunciar a contar una historia con principio, nudo y desenlace que además emocionara. Spielberg, Lucas, Zemeckis o Cameron entendieron que el espectáculo y la emoción no eran incompatibles, y de ahí salieron películas que hoy son papel moneda cultural: si dices «Marty McFly» o «Han Solo» en cualquier bar del mundo, todo el mundo sabe de qué hablas.
Los 90, en cambio, fueron la década en la que el sistema de estudios se topó de bruces con una generación de directores criados a base de VHS, videoclubs y cine de autor europeo. Tarantino, los hermanos Coen, Scorsese en su plenitud, David Fincher asomando la patita… Todos ellos empujaron el lenguaje del cine mainstream hacia sitios más oscuros, más irónicos y más arriesgados. Y mientras tanto, en paralelo, Pixar inventaba la animación por ordenador y James Cameron se cargaba el techo presupuestario del cine de acción no una, sino dos veces. Fue, en definitiva, la última gran década analógica del cine, justo antes de que Internet, el DVD y más tarde el streaming cambiaran para siempre la forma en la que consumimos historias.
Hay otro factor que casi nunca se menciona y que, para nosotros, es clave: la tecnología de exhibición y consumo doméstico maduró exactamente en ese periodo. El Dolby Stereo se generalizó en las salas a principios de los 80, dándole a los directores un abanico sonoro que antes ni existía, y el videoclub se convirtió en el segundo cine de cada barrio, permitiendo que películas que en su estreno pasaron sin pena ni gloria (como verás más adelante con «La cosa» o «Blade Runner») encontraran una segunda vida y un público fiel gracias al alquiler de VHS. Sin esa «segunda oportunidad» doméstica, es posible que hoy ni siquiera estuviéramos hablando de la mitad de los títulos de esta lista.
Tampoco hay que olvidar el papel de la banda sonora como fenómeno comercial paralelo. En los 80 y los 90, comprar el vinilo o el cassette de la banda sonora de tu película favorita era casi un rito de paso, y compositores como John Williams, Alan Silvestri, Hans Zimmer o Ennio Morricone se convirtieron en estrellas por derecho propio, casi tan reconocibles como los actores que protagonizaban las películas. Esa simbiosis entre imagen y música es una de las razones por las que, con solo escuchar unos segundos de ciertos temas, todavía hoy se nos pone la piel de gallina sin necesidad de ver ni un solo fotograma.
Si quieres profundizar todavía más en los cimientos de todo esto, te recomendamos nuestro repaso a las mejores películas de la historia del cine que todo aspirante a cineasta debe ver, donde varias de las cintas de esta lista también aparecen citadas como referencias obligatorias.
Los 80: cuando el blockbuster aprendió a tener alma
Vamos a organizar el repaso por bloques, empezando por la década que inventó el verano de estrenos tal y como lo conocemos. Los años 80 fueron el momento en el que el concepto de «evento cinematográfico» se consolidó: colas en la puerta del cine, merchandising, secuelas, bandas sonoras que sonaban en todas las radios. Pero detrás del ruido comercial había directores currándose guiones sólidos, con personajes que todavía hoy funcionan sin necesidad de nostalgia forzada.
Conviene recordar también el contexto industrial: tras la crisis creativa y económica que atravesó Hollywood a mediados de los 70, los grandes estudios entendieron que apostar fuerte por un puñado de producciones muy trabajadas, con estrenos veraniegos coordinados a nivel nacional y campañas de marketing masivas, generaba mejores resultados que la vieja lógica de sacar decenas de películas medianas cada año. Ese cambio de estrategia, unido al talento de una generación de directores jóvenes que había estudiado cine de forma reglada en universidades como la USC o la NYU, es lo que sentó las bases del blockbuster moderno tal y como hoy lo entendemos.
El resplandor (1980) — el terror que se cuela por la moqueta
Dirección: Stanley Kubrick. Año: 1980. Reparto principal: Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd.
Adaptación (muy libre, para disgusto del propio Stephen King, autor de la novela original) sobre un escritor que acepta cuidar un hotel aislado durante el invierno junto a su familia, mientras una presencia sobrenatural empieza a corroer su cordura. Kubrick construyó una película de terror que no necesita sustos baratos: la cámara steadicam recorriendo pasillos imposibles, la simetría obsesiva de los encuadres y una interpretación de Nicholson al borde del abismo bastan para generar una angustia que no ha envejecido ni un solo día. Curiosamente, en su estreno la crítica fue tibia e incluso recibió nominaciones a los Golden Raspberry (los «premios» a lo peor del año), pero el tiempo la ha colocado sistemáticamente en las listas de mejores películas de terror jamás filmadas, y su influencia visual se nota en prácticamente todo el terror elevado posterior.
Lo fascinante de «El resplandor» es que apenas necesita jump scares para generar desasosiego: basta el sonido de un triciclo rodando sobre distintas superficies, un pasillo alfombrado con un patrón geométrico hipnótico o dos gemelas quietas al fondo de un plano para que el cuerpo entero se te ponga en alerta. Kubrick, obsesivo hasta el extremo, llegó a rodar decenas de tomas de una misma escena hasta agotar física y mentalmente a su reparto, una técnica que Shelley Duvall denunció públicamente años después por lo durísima que fue la experiencia para ella. El resultado en pantalla, guste o no el método, es una interpretación de vulnerabilidad genuina que hoy se estudia en cualquier curso de interpretación para cine de terror.
En busca del arca perdida (1981) — la aventura que inventó el género
Dirección: Steven Spielberg. Guion y producción: George Lucas y Lawrence Kasdan. Año: 1981. Protagonista: Harrison Ford.
Con esta película nació Indiana Jones, el arqueólogo con látigo y sombrero que compite contra los nazis por hacerse con el Arca de la Alianza en plena Segunda Guerra Mundial. Spielberg y Lucas querían rendir homenaje a los seriales de aventuras de los años 30 y 40, y lo consiguieron con tal nivel de artesanía que la película sigue siendo el manual de referencia de cómo construir una secuencia de acción con ritmo, humor y tensión. Ganó cuatro premios Oscar (montaje, dirección artística, sonido y efectos visuales) y quedó nominada a Mejor Película. Cuarenta y tantos años después, sigue siendo la vara de medir del cine de aventuras.
Lo que distingue a esta película de tantas otras aventuras de imitación posteriores es su ritmo casi de ballet: cada set piece (la persecución de la roca gigante, la pelea en el aeródromo contra el mecánico nazi, la escena de la serpiente en la tumba egipcia) está construida como una escena autoconclusiva, con planteamiento, tensión creciente y resolución, sin depender de la anterior para funcionar. Es, en el fondo, un compendio de mini-películas perfectamente encadenadas, algo que Spielberg aprendió estudiando los seriales de matiné de su infancia y que, cuarenta años después, sigue siendo material de estudio obligado en cualquier curso de guion de acción y aventuras.
Blade Runner (1982) — el futuro que todavía no hemos alcanzado del todo
Dirección: Ridley Scott. Año: 1982. Protagonista: Harrison Ford.
Ambientada en un Los Ángeles de 2019 permanentemente lluvioso y neón, sigue a un cazarrecompensas encargado de «retirar» replicantes, androides prácticamente indistinguibles de los humanos. En su estreno fue un fracaso comercial y dividió a la crítica, pero con los años (y con el lanzamiento del Director’s Cut en 1992, sin la voz en off impuesta por el estudio) se ha convertido en la piedra angular del cine cyberpunk. Su influencia estética —esa mezcla de neón, lluvia ácida y publicidad gigante— se puede rastrear en videojuegos, cómics y en prácticamente toda la ciencia ficción visual posterior, incluida su secuela de 2017, Blade Runner 2049.
Parte del encanto (y de la leyenda) de «Blade Runner» viene precisamente de su tormentosa producción: choques constantes entre Ridley Scott y el estudio, un rodaje agotador bajo lluvia artificial casi permanente, y hasta cinco versiones distintas de la película circulando a lo largo de los años, cada una con montajes, narraciones y finales diferentes. Ese caos productivo, paradójicamente, es parte de lo que ha alimentado su estatus de película de culto: pocas cintas invitan tanto a la relectura y al debate eterno sobre si el protagonista es o no, en realidad, un replicante.
E.T., el extraterrestre (1982) — la lágrima fácil mejor administrada de la historia
Dirección: Steven Spielberg. Año: 1982. Protagonistas: Henry Thomas, Drew Barrymore.
La historia de un niño que esconde en su casa a un extraterrestre abandonado en la Tierra se convirtió en un fenómeno cultural mundial y, durante años, en la película más taquillera de la historia hasta que la destronó otro título de Spielberg. Consiguió cuatro premios Oscar técnicos (entre ellos banda sonora, para John Williams, y efectos visuales) y nueve nominaciones en total, incluyendo Mejor Película y Mejor Director. Lo que hace especial a E.T. no son los efectos —notablemente sencillos para lo que se hacía en la época— sino la honestidad con la que retrata la amistad y la pérdida desde la mirada de un niño, sin condescendencia y sin miedo a hacer llorar al público.
Spielberg tomó una decisión de rodaje que hoy se sigue citando como ejemplo de sensibilidad narrativa: filmar buena parte de la película con la cámara a la altura de los ojos de los niños protagonistas, dejando a los adultos casi siempre fuera de plano o mostrando solo su tronco, como si el espectador viviera la historia literalmente desde la estatura de un menor de diez años. Esa decisión, aparentemente pequeña, es la que convierte la despedida final en uno de los momentos más llorados de la historia del cine familiar, sin necesidad de un solo efecto especial de última generación.
La cosa (1982) — paranoia, nieve y unos efectos que siguen dando repelús
Dirección: John Carpenter. Año: 1982. Protagonista: Kurt Russell.
Un grupo de científicos aislados en una base antártica descubre que un organismo alienígena capaz de imitar perfectamente a cualquier ser vivo se ha colado entre ellos. Nadie sabe quién es humano y quién no, y esa incertidumbre es el verdadero motor del terror. En su estreno fue un fracaso de taquilla y crítica —coincidió, mala suerte, con el estreno de E.T., mucho más amable para el público de la época— pero los efectos especiales prácticos de Rob Bottin, hechos con animatrónica, látex y mucha paciencia, siguen siendo hoy una clase magistral de gore artesanal que el CGI no ha conseguido igualar en sensación de amenaza física real. Con el tiempo se ha reivindicado como una de las mejores películas de terror y ciencia ficción jamás rodadas.
Uno de los aciertos más comentados del guion es su final abierto: dos supervivientes se quedan mirándose, cada uno sospechando del otro, sin que la película llegue a confirmar quién es humano y quién ya ha sido sustituido. Esa ambigüedad deliberada, poco habitual en el cine de estudio de la época, es la que ha alimentado décadas de teorías, artículos y vídeos de análisis fotograma a fotograma, y demuestra que a veces la mejor forma de cerrar una historia de terror es no cerrarla del todo.
El club de los cinco (1985) — el instituto como microcosmos del mundo
Dirección: John Hughes. Año: 1985. Reparto: Emilio Estevez, Anthony Michael Hall, Judd Nelson, Molly Ringwald, Ally Sheedy.
Cinco adolescentes de grupos sociales completamente distintos —el deportista, el empollón, el rebelde, la popular y la rara— se ven obligados a pasar un sábado castigados juntos en la biblioteca del instituto. A lo largo del día descubren que, más allá de las etiquetas, comparten las mismas inseguridades. John Hughes definió con esta película (y con otras suyas de la misma época) el subgénero del «teen movie» con un respeto por sus personajes jóvenes que pocas películas de instituto han vuelto a igualar desde entonces. Su influencia se nota en prácticamente cualquier comedia adolescente posterior, de «No puedes comprarme» a «Con la lengua del gigante».
Rodada casi íntegramente en un único escenario (la biblioteca del instituto), la película demuestra que no hace falta un gran despliegue de localizaciones para construir algo memorable: basta con diálogos bien escritos y actores dispuestos a exponer la vulnerabilidad de sus personajes sin caricaturizarlos. El monólogo final de Anthony Michael Hall, resumiendo con ironía y tristeza cómo los ve el mundo adulto en una simple nota, se ha convertido en una de las piezas de guion más citadas del cine adolescente, y la imagen final de Judd Nelson levantando el puño en el campo de fútbol es, todavía hoy, un icono absoluto de la cultura pop ochentera.
Regreso al futuro (1985) — el viaje en el tiempo que todos querríamos hacer
Dirección: Robert Zemeckis. Producción: Steven Spielberg. Año: 1985. Protagonistas: Michael J. Fox, Christopher Lloyd.
Marty McFly viaja accidentalmente treinta años al pasado en un DeLorean modificado por el excéntrico doctor Emmett «Doc» Brown, y allí tiene que asegurarse de que sus futuros padres se enamoren, o de lo contrario dejará de existir. Es difícil encontrar un guion mejor engrasado que este: cada chiste, cada objeto y cada frase plantados en la primera media hora tienen su pago en algún momento posterior de la trilogía. Ganó el Oscar a Mejores Efectos Sonoros y quedó nominada en otras tres categorías, pero su verdadero premio ha sido convertirse en una de las películas más queridas y citadas de la cultura popular, con el DeLorean como icono absoluto del cine ochentero.
Pocas anécdotas de rodaje son tan conocidas como el cambio de protagonista a mitad de producción: Eric Stoltz llegó a rodar varias semanas de metraje en el papel de Marty McFly antes de que el equipo decidiera que su tono, más dramático, no encajaba con la comedia que buscaban, y se sustituyera por Michael J. Fox, que además tenía que compaginar el rodaje con la serie de televisión «Enredos de familia» y grababa de madrugada. El resultado, contra todo pronóstico de un rodaje tan accidentado, es una de las interpretaciones más queridas de la década.
Top Gun (1986) — velocidad, sudor y una banda sonora inolvidable
Dirección: Tony Scott. Año: 1986. Protagonista: Tom Cruise.
Maverick, un piloto de caza brillante pero indisciplinado, entra en la prestigiosa escuela de armas de la Marina estadounidense (la «Top Gun» del título) para competir por ser el mejor de su promoción, mientras arrastra el peso de un pasado familiar complicado. Es puro cine de estudio ochentero: estética publicitaria, montaje musical, química entre estrellas y unas secuencias aéreas que definieron el estándar del género durante años. Ganó el Oscar a la Mejor Canción Original con «Take My Breath Away» de Berlin, y su secuela de 2022, «Top Gun: Maverick», con Tom Cruise treinta y seis años después, demostró que la fórmula seguía funcionando como el primer día.
Más allá del fenómeno de taquilla, «Top Gun» es también un caso de estudio de marketing cinematográfico: la Marina de los Estados Unidos colaboró activamente en el rodaje cediendo aviones y bases reales a cambio de un notable aumento en las solicitudes de alistamiento tras el estreno, un fenómeno tan documentado que hoy se enseña en escuelas de comunicación como ejemplo de «product placement» institucional avant la lettre. Las secuencias aéreas, filmadas en gran parte con cámaras reales instaladas en los propios cazas, siguen impresionando por su sensación de velocidad y peligro genuinos, algo que ningún croma conseguiría replicar del todo.
Jungla de cristal (1988) — el molde de todas las películas de acción posteriores
Dirección: John McTiernan. Año: 1988. Protagonista: Bruce Willis.
Un policía de Nueva York, John McClane, se ve atrapado en un rascacielos de Los Ángeles tomado por un grupo de terroristas (en realidad ladrones muy bien organizados) durante la fiesta de Navidad de la empresa de su esposa. Solo, descalzo y sangrando, tiene que ir neutralizándolos uno a uno. «Jungla de cristal» no inventó el cine de acción, pero sí perfeccionó una fórmula —un héroe imperfecto, un espacio cerrado, un villano carismático— que Hollywood lleva copiando literalmente desde entonces («Die Hard en un barco», «Die Hard en un avión», «Die Hard en un estadio»…). Alan Rickman, en su debut cinematográfico como el villano Hans Gruber, se llevó buena parte de los elogios de la crítica de la época. Y sí, en cinevideos.org también tenemos opinión formada sobre si es o no película navideña, pero esa es otra guerra para otro artículo.
Lo que distingue a McClane de los héroes de acción anteriores es precisamente su fragilidad: suda, sangra, se corta los pies con cristales rotos, duda, se equivoca y llora de rabia y de dolor. Ese contraste entre un físico atlético y una vulnerabilidad muy humana fue una novedad respecto al héroe de acción de músculo imbatible tan de moda en la década (piensa en Stallone o en Schwarzenegger en sus papeles más icónicos), y explica por qué, cuarenta años después, John McClane sigue sintiéndose un personaje cercano en lugar de una simple máquina de matar.
Batman (1989) — Tim Burton pinta Gotham de negro
Dirección: Tim Burton. Año: 1989. Reparto: Michael Keaton, Jack Nicholson, Kim Basinger.
Antes de esta película, el imaginario popular sobre Batman seguía anclado en la serie televisiva campy de los años 60. Tim Burton lo cambió todo con una Gotham gótica, opresiva y visualmente única, y con un Joker interpretado por Jack Nicholson que se comía la pantalla en cada escena. Fue un fenómeno de taquilla mundial y ganó el Oscar al Mejor Diseño de Producción, además de disparar el merchandising de superhéroes a una escala nunca vista hasta entonces. Sin esta película, es muy probable que el cine de superhéroes tal y como lo conocemos hoy —incluido el universo cinematográfico de Marvel— hubiera tardado mucho más en despegar.
La banda sonora orquestal de Danny Elfman, oscura y operística, se convirtió también en un referente absoluto del género, tanto que su tema principal se sigue reconociendo hoy incluso por quienes nunca han visto la película entera. Y el propio diseño del Batmóvil, con esas líneas aerodinámicas negras tan alejadas del colorido vehículo de la serie de los 60, fijó una estética que prácticamente todas las adaptaciones posteriores del personaje han tenido que dialogar de un modo u otro, ya fuera para continuarla o para reinventarla por completo.
Los 90: la década en la que el cine independiente se comió a los estudios
Si los 80 fueron la década del espectáculo, los 90 fueron la década en la que ese espectáculo se volvió más adulto, más irónico y, en muchos casos, más violento y complejo moralmente. Sundance se convirtió en el trampolín de una nueva generación de directores, la videocámara doméstica y el videoclub crearon una cultura cinéfila de «friki» que hasta entonces no existía a esa escala, y los grandes estudios, viendo el éxito de estas propuestas, empezaron a financiar proyectos más arriesgados de lo habitual. Fue también, no lo olvidemos, la década en la que Pixar y James Cameron reinventaron por separado los límites técnicos del medio.
El nacimiento de compañías distribuidoras especializadas en cine independiente, como Miramax (fundada por los hermanos Weinstein) o New Line Cinema, resultó igual de determinante que el talento de los directores emergentes: sin una estructura capaz de llevar estas películas más pequeñas y arriesgadas a un público amplio, muchas de ellas se hubieran quedado en simples curiosidades de festival. Esa combinación de riesgo creativo y musculo distribuidor es la que permitió que títulos tan poco convencionales para su época terminaran no solo estrenándose en salas comerciales, sino arrasando en los Oscar y en la taquilla, algo que hoy damos por sentado pero que en su momento fue una auténtica revolución del modelo de negocio del cine.
Hay además un factor generacional que no se puede pasar por alto: los directores que llegaron a la cima en los 90 habían crecido viendo, en videoclub y en televisión, tanto el cine clásico de Hollywood como la Nouvelle Vague francesa, el giallo italiano o el cine de artes marciales de Hong Kong. Esa mezcla de referencias, digerida y reescupida con desparpajo, es la que explica el tono tan ecléctico de películas como «Pulp Fiction», capaces de saltar del humor negro más ácido al drama más desgarrador en cuestión de minutos sin que la costura se note.
Uno de los nuestros (1990) — Scorsese y la mafia sin épica ni piedad
Dirección: Martin Scorsese. Año: 1990. Reparto: Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci.
Basada en hechos reales (el libro «Wiseguy» de Nicholas Pileggi), narra el ascenso y la caída de Henry Hill dentro de la mafia italoamericana de Nueva York, desde su fascinación infantil por los gánsteres del barrio hasta su implosión final por culpa de la cocaína y la paranoia. A diferencia de «El Padrino», Scorsese no filma la mafia como una épica solemne, sino como un negocio cotidiano, violento y absurdo, narrado con un ritmo vertiginoso, planos secuencia memorables (ese travelling por la cocina del Copacabana es de manual en cualquier escuela de cine) y una banda sonora que se convirtió en referencia obligada. Joe Pesci ganó el Oscar al Mejor Actor de Reparto por su interpretación de Tommy DeVito, uno de los personajes más aterradores e imprevisibles del cine de gánsteres.
La narración en voz en off de Henry Hill, que arranca la película con la mítica frase sobre haber querido ser gánster «desde que tengo memoria», marcó un estilo narrativo que decenas de series y películas posteriores han intentado replicar sin conseguir del todo esa naturalidad. Scorsese, además, utilizó la música de la época (temas de The Rolling Stones, Tony Bennett o Derek and the Dominos) no como simple ambientación, sino como parte activa de la narración, marcando el paso del tiempo y el estado emocional de los personajes escena a escena, una técnica de montaje musical que hoy damos por sentada pero que en su momento resultó revolucionaria.
El silencio de los corderos (1991) — el terror que arrasó en los Oscar
Dirección: Jonathan Demme. Año: 1991. Reparto: Jodie Foster, Anthony Hopkins.
Clarice Starling, una joven agente en prácticas del FBI, es enviada a entrevistar al doctor Hannibal Lecter, un brillante psiquiatra convertido en asesino caníbal encerrado en una prisión de máxima seguridad, con la esperanza de que su perspectiva ayude a atrapar a otro asesino en activo, apodado «Buffalo Bill». El resultado es uno de los thrillers psicológicos más influyentes jamás rodados. En la 64ª edición de los Oscar se convirtió en la tercera película de la historia (y la más reciente hasta la fecha) en ganar los cinco premios principales de la Academia: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Guion Adaptado, algo que solo habían logrado antes «Sucedió una noche» (1934) y «Alguien voló sobre el nido del cuco» (1975). Sigue siendo, además, la única película catalogada como de terror en ganar el Oscar a Mejor Película.
Lo curioso es que Anthony Hopkins, ganador del Oscar a Mejor Actor por interpretar a Hannibal Lecter, apenas aparece en pantalla unos dieciséis minutos en total, uno de los tiempos en pantalla más cortos de la historia para un actor ganador de esa categoría. Eso da una idea de la intensidad que Hopkins fue capaz de concentrar en cada escena: la mirada fija, el tono de voz pausado y casi hipnótico, la quietud absoluta del personaje frente a los barrotes de su celda. Jodie Foster, por su parte, construyó una Clarice Starling vulnerable pero decidida que rompió con el estereotipo de la «damisela» en un género —el thriller de investigación— tradicionalmente dominado por protagonistas masculinos.
Terminator 2: El juicio final (1991) — cuando los efectos digitales cambiaron de bando
Dirección: James Cameron. Año: 1991. Reparto: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Robert Patrick.
Diez años después de «Terminator», el T-800 (Schwarzenegger) regresa del futuro, pero esta vez para proteger al joven John Connor de un nuevo enemigo: el T-1000, un modelo de metal líquido capaz de adoptar cualquier forma. Con un presupuesto de entre 94 y 102 millones de dólares, se convirtió en la película más cara jamás producida hasta ese momento, y el dinero se nota en cada fotograma. Industrial Light & Magic desarrolló para ella el primer personaje generado por ordenador integrado de forma totalmente creíble en una película de gran presupuesto, marcando un antes y un después en la historia de los efectos visuales. Ganó cuatro premios Oscar: Mejores Efectos Visuales, Mejor Maquillaje, Mejor Sonido y Mejor Edición de Sonido, y fue la película más taquillera de 1991 a nivel mundial.
Más allá del despliegue técnico, lo que hizo grande a «Terminator 2» fue una decisión de guion arriesgada: convertir al villano de la primera entrega, el T-800 interpretado por Schwarzenegger, en el protector del niño protagonista. Ese giro de perspectiva, sumado al arco de Sarah Connor —que pasa de víctima aterrorizada en la primera película a superviviente curtida y casi al límite de la locura en la secuela—, dotó a una película de acción pura de una carga emocional inusual para el género, algo que explica por qué sigue citándose hoy como una de las mejores secuelas jamás filmadas, por encima incluso de la original.
Thelma y Louise (1991) — la carretera como acto de rebeldía
Dirección: Ridley Scott. Año: 1991. Protagonistas: Susan Sarandon, Geena Davis.
Dos amigas se escapan un fin de semana de su rutina asfixiante y, tras un incidente violento en un bar de carretera, acaban convertidas en fugitivas, cruzando el suroeste de Estados Unidos en un descapotable mientras el cerco policial se estrecha. Lo que empieza como una escapada de fin de semana se transforma en una road movie sobre la libertad, la amistad femenina y el hartazgo ante una vida marcada por hombres controladores o directamente peligrosos. La película obtuvo seis nominaciones al Oscar en su edición correspondiente y se llevó la estatuilla al Mejor Guion Original, escrito por Callie Khouri. Con los años se ha convertido en una referencia obligada del cine con protagonismo femenino y en objeto de estudio constante en escuelas de cine por su desenlace, tan icónico como discutido.
Lo que hace única a «Thelma y Louise» dentro del cine de género de la época es que se atreve a subvertir un formato tradicionalmente masculino —la road movie con armas de fuego, coches rápidos y héroes fugitivos, más propio del western y del cine de atracadores— para contar, en el fondo, una historia sobre el hartazgo silencioso de dos mujeres que llevan toda la vida aguantando maltratos, condescendencia y control. La escena final, filmada en un desfiladero real de Utah, sigue generando debate entre quienes la ven como una tragedia y quienes la interpretan como un acto último de libertad absoluta, y esa ambigüedad es, precisamente, parte de su grandeza.
La lista de Schindler (1993) — Spielberg filma el horror en blanco y negro
Dirección: Steven Spielberg. Año: 1993. Protagonistas: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes.
Basada en hechos reales, cuenta la historia de Oskar Schindler, un empresario e industrial alemán afiliado al partido nazi que terminó salvando la vida de más de mil judíos al emplearlos en sus fábricas durante el Holocausto. Rodada casi enteramente en blanco y negro, con un estilo casi documental que huye del sentimentalismo fácil, es probablemente la película más seria y personal de la carrera de Spielberg. Ganó siete premios Oscar, entre ellos Mejor Película y Mejor Director (el primer Oscar a Mejor Director para Spielberg), y está considerada de forma casi unánime como una de las representaciones cinematográficas más importantes del Holocausto jamás realizadas.
Spielberg renunció a su sueldo como director, considerando que cobrar por esta película en concreto sería, en sus propias palabras, «dinero manchado de sangre», y donó posteriormente buena parte de la recaudación a fundaciones relacionadas con la memoria del Holocausto. La única mancha de color que aparece en toda la película —el abrigo rojo de una niña entre la multitud, visible en un momento devastador— se ha convertido en uno de los recursos visuales más analizados y citados de la filmografía de Spielberg, un ejemplo perfecto de cómo un detalle mínimo puede concentrar el horror de una tragedia colectiva en una sola imagen individual.
El rey león (1994) — la animación como tragedia shakesperiana
Dirección: Roger Allers y Rob Minkoff. Año: 1994. Estudio: Walt Disney Feature Animation.
Simba, el joven cachorro de león destinado a heredar el trono de las Tierras del Reino, huye tras la muerte de su padre Mufasa, orquestada por su ambicioso tío Scar, y tendrá que aprender a asumir su responsabilidad para recuperar lo que le pertenece. Con evidentes ecos de «Hamlet», la película combina animación tradicional dibujada a mano con una banda sonora compuesta por Hans Zimmer y canciones de Elton John y Tim Rice que ganaron el Oscar a la Mejor Canción Original («Can You Feel the Love Tonight») y el Oscar a la Mejor Banda Sonora. Se convirtió en la película de animación más taquillera de la historia en el momento de su estreno y sigue siendo, más de tres décadas después, una de las cintas Disney más queridas de todos los tiempos.
La secuencia de la muerte de Mufasa en la estampida, filmada con una tensión y una crudeza emocional poco habituales en el cine de animación familiar de la época, se considera hoy uno de los momentos más traumáticos (y mejor construidos) de toda la filmografía Disney, capaz de marcar a generaciones enteras de espectadores infantiles. El equipo de animadores viajó a Kenia para estudiar sobre el terreno la fauna, la luz y los paisajes de la sabana africana, una investigación de campo que se nota en cada plano y que elevó el nivel de exigencia visual de la animación tradicional dibujada a mano justo antes de que la técnica digital empezara a desplazarla.
Pulp Fiction (1994) — Tarantino reescribe las reglas del guion
Dirección: Quentin Tarantino. Año: 1994. Reparto: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis.
Varias historias de bajos fondos —dos sicarios filosofantes, un boxeador que decide no dejarse comprar, la esposa de un jefe del crimen organizado y una pareja de atracadores de restaurante— se entrelazan en una estructura narrativa no lineal que en su momento resultó absolutamente disruptiva. Tarantino mezcla géneros, referencias de cultura pop y unos diálogos tan ingeniosos que se convirtieron en material de estudio en facultades de cine de medio mundo. Ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el Oscar al Mejor Guion Original, además de otras cinco nominaciones, incluidas Mejor Película y Mejor Director. Si hay una película que resume el espíritu gamberro, irreverente y con el cabrón del flow que caracterizó al cine independiente americano de los 90, esa es sin duda esta.
Su estructura circular, que arranca y termina en el mismo atraco de cafetería pero visto desde perspectivas distintas, fue tan influyente que durante años se acusó a Hollywood entero de «hacer un Tarantino» cada vez que aparecía un guion con saltos temporales. También merece la pena recordar que la película supuso el gran regreso de John Travolta, cuya carrera llevaba años estancada en producciones menores, y que Uma Thurman construyó con Mia Wallace uno de los personajes femeninos más icónicos y citados del cine de los 90, con esa escena de baile en el restaurante temático que hoy es prácticamente un meme perpetuo de la cultura popular.
Toy Story (1995) — la primera película 100% animada por ordenador
Dirección: John Lasseter. Año: 1995. Estudio: Pixar Animation Studios.
Woody, el vaquero de trapo favorito de su dueño, ve amenazado su estatus cuando llega a la habitación un nuevo juguete, el astronauta de plástico Buzz Lightyear, convencido de ser un guardián espacial de verdad. Más allá de su encantadora historia sobre la amistad y los celos, «Toy Story» tiene un lugar asegurado en los libros de historia del cine por ser el primer largometraje realizado íntegramente con animación generada por ordenador. La Academia le concedió a John Lasseter un Oscar Especial «por el liderazgo del equipo de Toy Story, el primer largometraje animado por ordenador», reconociendo su carácter de hito tecnológico. Su éxito allanó el camino para toda la animación digital que vendría después y consolidó a Pixar como el gran referente del género.
Lo que muchos espectadores no recuerdan es que «Toy Story» estuvo a punto de no llegar a cines: durante el desarrollo, los primeros montajes de la película presentaban a Woody como un personaje cínico y hasta cruel con los demás juguetes, y Disney llegó a paralizar temporalmente la producción exigiendo una reescritura completa del guion para hacerlo más entrañable. Esa decisión de última hora es la que terminó dando forma al vaquero protector y algo inseguro que todos recordamos, y demuestra que incluso los hitos técnicos más celebrados de la historia del cine dependen, en última instancia, de que el guion y los personajes funcionen primero sobre el papel.
Salvar al soldado Ryan (1998) — la guerra sin filtros ni heroísmo bonito
Dirección: Steven Spielberg. Año: 1998. Reparto: Tom Hanks, Matt Damon, Tom Sizemore.
Un pelotón del ejército estadounidense recibe la misión de localizar y traer de vuelta a casa a un soldado, el último de cuatro hermanos vivo tras el desembarco de Normandía, para evitar que su madre pierda a todos sus hijos en la guerra. Los primeros veinticinco minutos de la película, con el desembarco de Omaha Beach filmado con cámara al hombro, sonido ensordecedor y una crudeza sin precedentes hasta entonces en el cine bélico mainstream, cambiaron para siempre cómo Hollywood representa el combate. Ganó cinco premios Oscar, incluido Mejor Director para Spielberg, y su influencia se nota en absolutamente todo el cine bélico posterior, del videojuego «Medal of Honor» a series como «Hermanos de sangre».
Para conseguir esa sensación de caos y terror real, el equipo técnico desaturó parcialmente el color de la película, retiró los revestimientos protectores de las lentes de las cámaras (para que la imagen tuviera menos nitidez artificial) y filmó buena parte de la secuencia del desembarco con cámara al hombro, imitando el estilo de los operadores de noticiarios de la Segunda Guerra Mundial. El impacto fue tal que varias asociaciones de veteranos de guerra emitieron avisos recomendando precaución a la hora de ver la película, dado el realismo casi insoportable de sus primeros minutos, algo poco habitual para una producción de estudio de gran presupuesto.
Titanic (1998) — el hundimiento más rentable de la historia del cine
Dirección: James Cameron. Año: 1997 (estreno internacional en 1998). Reparto: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet.
Jack y Rose, dos jóvenes de clases sociales opuestas, viven un romance a bordo del transatlántico más famoso de la historia justo antes de que este choque contra un iceberg en su viaje inaugural. James Cameron volvió a superar todas las previsiones presupuestarias del momento (con un coste de producción que rondó los 200 millones de dólares) para entregar una superproducción romántica que arrasó en taquilla mundial y se mantuvo como la película más taquillera de la historia durante más de una década, hasta que el propio Cameron la destronó con «Avatar». Ganó once premios Oscar, incluidos Mejor Película y Mejor Director, empatando el récord histórico de estatuillas conseguido hasta entonces solo por «Ben-Hur».
El rodaje fue tan complicado y se disparó tanto en presupuesto que, durante meses, la prensa especializada daba por hecho que la película sería un fracaso estrepitoso capaz de hundir financieramente a los estudios implicados: se llegó a construir una réplica del barco a tamaño casi real en Baja California (México) y a recrear digitalmente el hundimiento combinando maquetas, agua real y algunos de los primeros efectos digitales de personajes humanos en movimiento a gran escala. Lejos de hundirse (nunca mejor dicho), la película se mantuvo en cartelera meses y meses, y su banda sonora, con la voz de Celine Dion, se convirtió en un fenómeno de ventas mundial por derecho propio.
Matrix (1999) — el año en que el cine de acción se puso filosófico
Dirección: Lana y Lilly Wachowski. Año: 1999. Reparto: Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss.
Un programador informático descubre que la realidad tal y como la conoce es en verdad una simulación digital creada por máquinas para mantener sometida a la humanidad, y se une a un grupo de rebeldes decididos a liberarla. Con su estética de gabardinas y gafas de sol, su innovador «bullet time» (esas cámaras rotando alrededor de la acción congelada en el aire) y un cóctel de artes marciales, ciencia ficción y filosofía oriental y occidental, «Matrix» cerró la década reinventando por completo el lenguaje visual del cine de acción. Ganó cuatro premios Oscar técnicos (montaje, efectos visuales, sonido y edición de sonido) y su influencia estética y narrativa se sigue notando hoy en día en el cine, la publicidad y los videojuegos.
El «bullet time» no fue simple postureo tecnológico: se consiguió instalando decenas de cámaras fotográficas fijas alrededor del actor, disparadas en una secuencia calculada al milisegundo, para luego combinar las imágenes resultantes y simular un movimiento de cámara imposible alrededor de una acción congelada en el tiempo. Ese efecto, imitado hasta la saciedad (y a menudo mal) en anuncios, videoclips y otras películas durante años, es solo la punta del iceberg de una producción que también revolucionó la coreografía de artes marciales en el cine occidental, incorporando wire-fu (peleas con cables) coreografiado por Yuen Woo-ping, veterano del cine de acción de Hong Kong.
Dirección: Tony Kaye. Año: 1998. Reparto: Edward Norton, Edward Furlong.
Derek Vinyard, un joven líder neonazi, sale de prisión tras cumplir condena por un crimen brutal y descubre que su hermano pequeño está siguiendo exactamente el mismo camino de odio y violencia que él mismo recorrió. Rodada en un blanco y negro contundente para las escenas del pasado y en color para el presente, la película es un puñetazo directo al estómago sobre cómo se transmite el odio de generación en generación, y sobre lo difícil (pero no imposible) que resulta romper ese ciclo. Edward Norton recibió una nominación al Oscar al Mejor Actor por una interpretación que combina una intensidad física aterradora con momentos de fragilidad genuina, y la escena del bordillo en el garaje sigue siendo, más de dos décadas después, una de las secuencias de violencia más comentadas y analizadas del cine de los 90 por su crudeza sin concesiones.
Pese a los problemas de producción que enfrentó (el propio director llegó a pedir que se retirara su nombre de los créditos por desavenencias con el montaje final del estudio), la película se ha consolidado con el paso de los años como una obra de referencia obligada para hablar de radicalización, extremismo y las segundas oportunidades, un tema que, por desgracia, no ha perdido ni un ápice de vigencia desde su estreno.
Independence Day (1996) — la invasión alienígena que revolucionó el verano de cine
Dirección: Roland Emmerich. Año: 1996. Reparto: Will Smith, Bill Pullman, Jeff Goldblum.
Naves nodriza alienígenas de proporciones descomunales se sitúan sobre las principales ciudades del mundo y, tras una espera cargada de tensión, comienzan un ataque destructivo a gran escala. Un grupo variopinto formado por un piloto de combate, un experto en informática y el propio presidente de los Estados Unidos deberán unir fuerzas para organizar la resistencia. La película llevó el género de invasión alienígena, hasta entonces asociado casi siempre a producciones de serie B, a la máxima escala posible de Hollywood, con una secuencia de destrucción de la Casa Blanca que se convirtió en la imagen promocional más repetida (y más parodiada) del cine de los años 90. Ganó el Oscar a los Mejores Efectos Visuales y fue la película más taquillera de 1996 a nivel mundial.
Más allá del espectáculo puramente destructivo, «Independence Day» popularizó un modelo de blockbuster coral con final feliz colectivo que definiría buena parte del cine de catástrofes y ciencia ficción de la década siguiente, y consolidó a Will Smith como una de las grandes estrellas de acción de Hollywood, un estatus que mantendría durante los años posteriores con títulos como «Men in Black» o «Enemigo público».
Cómo ver estas películas hoy sin perder la cabeza buscando plataformas
Aquí va un consejo poco romántico pero muy práctico: muchas de estas películas van saltando de plataforma en plataforma según acuerdos de distribución que cambian cada pocos meses, así que la manera más segura de no depender de si Netflix decide retirar «Pulp Fiction» el mes que viene es hacerse con una buena edición física. Si te apetece completar tu colección con ediciones en Blu-ray remasterizadas, con extras y comentarios de director que en streaming jamás vas a encontrar, este es un buen punto de partida: blu-rays de clásicos del cine de los 80 y 90.
Y si lo tuyo es entender el contexto detrás de cada rodaje —anécdotas de set, peleas entre directores y estudios, presupuestos descontrolados— hay una buena colección de libros y ensayos sobre el Hollywood de estas dos décadas que merece la pena tener en la estantería: libros sobre la historia de Hollywood. Son el complemento perfecto para releer después de un maratón de fin de semana.
Otra opción, si lo que quieres es ir más allá del visionado pasivo, es hacerte con figuras de coleccionista y pósters de cine clásico, o steelbooks de edición limitada de alguno de estos títulos: son el tipo de detalle que convierte una estantería cualquiera en un pequeño altar cinéfilo, y además suelen revalorizarse con el tiempo si la edición es limitada de verdad. Y por supuesto, si prefieres organizar tú mismo una maratón temática en casa (por ejemplo, «noche de ciencia ficción ochentera» o «maratón Scorsese-Tarantino»), lo ideal es tener a mano una buena selección de palomitas, un proyector decente y, sobre todo, paciencia para discutir con tus invitados sobre cuál de las dos décadas fue realmente mejor. Ese debate, para nosotros, nunca se cierra del todo, y es parte de la gracia.
Preguntas frecuentes sobre las mejores películas de los 80 y los 90
¿Cuál es la película más premiada de las dos décadas?
Entre las citadas en este artículo, «Titanic» (1997/1998) es la que más Oscars se llevó, con once estatuillas, empatando el récord histórico que hasta entonces ostentaba en solitario «Ben-Hur» (1959). «La lista de Schindler» se queda cerca, con siete premios Oscar.
¿Qué película de los 90 ganó los cinco premios Oscar principales?
«El silencio de los corderos» (1991), de Jonathan Demme, ganó Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Guion Adaptado, uniéndose a un club históricamente reducidísimo junto a «Sucedió una noche» (1934) y «Alguien voló sobre el nido del cuco» (1975).
¿Cuál es la mejor película de acción de los años 80?
Es terreno de debate eterno entre cinéfilos, pero «Jungla de cristal» (1988) suele aparecer como la más citada por haber definido el molde narrativo que el género siguió replicando durante décadas, con permiso de «En busca del arca perdida» en el terreno de la aventura.
¿Por qué se considera a los 90 la década del cine independiente?
Porque coincidieron el auge del Festival de Sundance, la explosión de directores como Tarantino, los hermanos Coen o Kevin Smith, y una mayor disposición de los estudios a financiar proyectos arriesgados tras comprobar que el público respondía a historias más adultas y menos convencionales que las del cine familiar ochentero.
¿Qué película marcó el salto definitivo de los efectos visuales digitales?
«Terminator 2: El juicio final» (1991) es considerada un punto de inflexión clave, al introducir el primer personaje generado por ordenador totalmente integrado en una película de gran presupuesto, allanando el camino técnico para lo que luego haría «Jurassic Park» y, ya en los 2000, prácticamente todo el cine de gran espectáculo.
¿Dónde puedo consultar los datos oficiales de premios de estas películas?
Recomendamos siempre contrastar en fuentes primarias como la base de datos de IMDb o la web oficial de los Oscars (Academy of Motion Picture Arts and Sciences), que mantienen archivos históricos completos de nominaciones y ganadores.
¿Cuál es la mejor película de animación de los 90?
Entre las citadas en este artículo, «El rey león» (1994) y «Toy Story» (1995) se disputan ese honor por motivos distintos: la primera por su ambición narrativa y su banda sonora, ganadora de dos Oscar; la segunda por su hito tecnológico como primer largometraje generado íntegramente por ordenador, reconocido con un Oscar Especial para su director, John Lasseter.
¿Merece la pena ver estas películas en su versión original o doblada?
Siempre que puedas, prueba la versión original subtitulada al menos una vez: en títulos como «Pulp Fiction» o «El silencio de los corderos», buena parte del impacto interpretativo viene del tono de voz y del ritmo de los diálogos originales, algo que ningún doblaje, por bueno que sea, puede replicar al cien por cien. Dicho esto, el doblaje español de muchas de estas películas también se ha convertido en objeto de culto propio, así que no hay una única respuesta correcta.
¿Estas películas siguen siendo relevantes para ver en pareja o en familia hoy?
Rotundamente sí, aunque conviene elegir bien según la compañía: «El rey león» o «Regreso al futuro» funcionan de maravilla en familia, mientras que «El silencio de los corderos» o «La lista de Schindler» requieren un contexto y una edad más adulta. La belleza de esta lista es precisamente su variedad de tonos, así que siempre hay una opción adecuada para cada ocasión.
Conclusión: dos décadas, un aprendizaje para toda la vida cinéfila
Si has llegado hasta aquí, es que de verdad te importa esto del cine, así que gracias por aguantarnos casi tanto rato como dura un maratón de «El Padrino» (que, por cierto, es de los 70, pero esa lista la dejamos para otro día). Lo bonito de repasar estas veinte películas juntas, de terror a animación pasando por el drama bélico más descarnado, es comprobar que no hay una sola forma de hacer una gran película. Kubrick y Carpenter demostraron que el terror podía ser elegante o visceral y funcionar igual de bien. Spielberg demostró que se podía emocionar sin cinismo y, cuando hacía falta, retratar el horror sin edulcorarlo. Tarantino y Scorsese demostraron que el crimen organizado da para comedia negra y para tragedia moral casi a la vez. Y Cameron, sencillamente, demostró dos veces seguidas que el dinero bien gastado en una buena historia siempre acaba siendo rentable.
Lo que todas estas películas comparten, más allá del género o el presupuesto, es un cuidado casi obsesivo por el guion, por el ritmo y por los personajes, algo que hoy, en la era de las franquicias hechas por comité, a veces echamos de menos. Repasando esta lista de un tirón se aprecia también otra cosa: casi ninguna de estas películas tuvo un camino fácil hasta convertirse en clásico. «Blade Runner» fracasó en taquilla. «La cosa» fue vapuleada por la crítica en su estreno. «El resplandor» recibió nominaciones a los peores premios del año. Y sin embargo, aquí siguen, más vivas que nunca, demostrando que el verdadero filtro de calidad de una película casi nunca es su primer fin de semana en cartelera, sino su capacidad de seguir generando conversación, análisis y devoción varias décadas después.
Así que la próxima vez que no sepas qué ver un sábado por la noche, no descartes tirar de esta lista: siguen funcionando, siguen emocionando y, sobre todo, siguen sin necesitar nostalgia artificial para sostenerse por sí solas. Si eres de los que prefiere maratones temáticos, prueba a combinar una película de cada década en la misma noche y comprueba tú mismo si notas ese salto de tono del que hablábamos al principio del artículo: del espectáculo con corazón de los 80 a la irreverencia adulta de los 90. Sea cual sea tu combinación elegida, lo importante es que sigas viendo, revisando y descubriendo cine, que para eso estamos aquí. Si quieres seguir tirando del hilo del gran cine de no ficción de estas mismas décadas, no te pierdas tampoco nuestro repaso a los mejores documentales de la historia del cine, que completa perfectamente este recorrido.
